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Against Creativity: Un examen crítico de la noción contemporánea de creatividad

15 minutos



Por Oli Mould

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Sinópsis:

Against Creativity (2018) es un examen crítico de la noción contemporánea de creatividad. Este tratado contrario a la intuición propone que el mandato moderno de "ser creativo" podría tener inconvenientes ocultos.

¿De qué se trata este libro?

Una versión poco convencional de la sabiduría convencional. 

Desde las alturas de las oficinas de la alta dirección hasta los mismos pisos del Parlamento, un estribillo común suena una y otra vez: ¡Sé creativo! Pero, ¿y si este saludable grito de guerra simplemente esconde una agenda más perniciosa?

Against Creativity postula que la preocupación actual de nuestra cultura por la creatividad puede no ser tan positiva como parece. Es una tesis contraria a la intuición, pero sorprendentemente coherente cuando consideramos dónde y por qué se valora la creatividad.

Este libro muestra cómo la creatividad se convirtió en una de las virtudes fundamentales del capitalismo. Aprenderás cómo el concepto se ha movilizado con fines a menudo opresivos tanto en la política gubernamental como en el lugar de trabajo. Después de este argumento, nunca volverás a ver la creatividad de la misma manera.

El capitalismo neoliberal se ha apropiado del concepto de creatividad.

Imagina que estás caminando por las calles de Nueva York y te encuentras con una imagen común: un vagabundo pidiendo un cambio. Sin embargo, está preguntando de una manera poco común. En lugar de sostener un simple cartel, interpreta una canción, completa con letra original. ¡Qué creativo!

¿O es eso? Si bien la actuación del hombre seguramente se destaca en la acera, en realidad está haciendo lo que todos los demás en la ciudad deben hacer. Está vendiendo su trabajo para sobrevivir. Incluso como alguien claramente decepcionado por el sistema capitalista, debe cambiar su talento por ganancias, perpetuando así ese mismo sistema.

En el mundo contemporáneo, todos estamos en una situación similar. Lo que entendemos como nuestra creatividad se ha reducido a un mero combustible para el crecimiento económico.

El concepto de creatividad nunca se ha fijado por completo. Ha cambiado y cambiado a través del tiempo y el espacio. En la antigüedad, la creatividad era un poder sagrado de los dioses que podían conjurar mundos completamente nuevos. Durante la Ilustración, la creatividad se convirtió en un rasgo individual utilizado por los artistas para comunicar ideas o emociones complejas: piensa en dramaturgos, compositores y pintores de vanguardia.

A lo largo de los años 80 y 90, la creatividad se redefinió una vez más. Estas décadas vieron el atrincheramiento del neoliberalismo, una ideología que postula a la sociedad como un mercado económico y a las personas como actores racionales e interesados ​​dentro de ese mercado. A medida que el neoliberalismo se afianzaba en países como Estados Unidos y el Reino Unido, más aspectos de la vida cotidiana se organizaron en torno a esta idea.

Entonces, ¿cómo afectó esto al concepto de creatividad? Bueno, por un lado, dejó de ser un poder divino o un medio de expresión íntima. Bajo el neoliberalismo, la creatividad se reformuló como una herramienta que todo individuo tenía que perfeccionar para ser económicamente más valioso. Piensa en la frecuencia con la que los empleadores dicen que quieren trabajadores que sean "emprendedores".

Este nuevo concepto de creatividad también se ha infiltrado en nuestro discurso político. En muchos países occidentales, los gobiernos han revertido las regulaciones en nombre de "fomentar la innovación". Incluso es cada vez más popular que los políticos de derecha se burlen de los servicios sociales tradicionales como las escuelas y los hospitales por no ser lo suficientemente ágiles.

A continuación, analizaremos más de cerca cómo opera la creatividad como una herramienta para mantener el capitalismo, y cómo podría volver a convertirse en una fuerza que puede cambiar el mundo para mejor.

Bajo el capitalismo, trabajar creativamente significa trabajar más y más duro.

Imagínate un lugar de trabajo creativo. ¿Que ves? ¿Una oficina elegante y abierta amueblada con muebles originales? ¿Un café moderno lleno de artistas, diseñadores y programadores trabajando juntos? O tal vez veas un estudio en casa donde un escritor trabaja en silenciosa soledad.

Estas visiones del trabajo creativo parecen ideales en la superficie, pero a menudo ocultan los inconvenientes ocultos.

¿Esa oficina "divertida"? Viene con una expectativa de semanas laborales de 60 horas. ¿Ese acogedor café? Está lleno de freelancers con problemas económicos. ¿Y ese estudio en casa? Claro, es conveniente, pero cuando trabajas desde casa, nunca puedes cerrar la sesión.

En 2002, el urbanista Richard Florida publicó The Rise of the Creative Class . En este exitoso libro, Florida argumentó que la economía del futuro sería impulsada por la "clase creativa", su término para trabajadores altamente educados que ganan dinero con sus habilidades y talentos únicos. Esto podría incluir a cualquiera, pero en su mayoría incluyó a artistas, programadores y varios profesionales de cuello blanco.

Según Florida, los trabajadores de clase creativa tienen una ventaja porque son más flexibles e independientes que sus contrapartes tradicionales. En teoría, esto significa que prefieren la libertad del trabajo independiente a la estabilidad de los contratos estáticos, y prefieren perseguir proyectos apasionantes que escalar la escalera corporativa. Sin embargo, en la práctica, esto no es ideal.

Los empleadores han aprovechado este concepto de clase creativa para reducir costos. En lugar de contratar personal a tiempo completo o proporcionar espacios de trabajo profesionales, cada vez más industrias confían en contratos independientes más baratos y piden a los empleados que encuentren sus propios espacios de trabajo.

Peor aún, algunas empresas pagan menos por la producción artística, argumentando que la exposición o la realización personal de este trabajo creativo es un pago suficiente. Este modelo de trabajo creativo requiere trabajo continuo y enfrenta a los trabajadores entre sí en una competencia constante.

Por suerte, existen alternativas. Algunos trabajadores han decidido no simplemente vender sus habilidades creativas en el mercado, sino ayudar a construir nuevas organizaciones económicas. Los ejemplos incluyen la Cooperativa Coffee Cranks en Manchester, Inglaterra o la Universidad de Mondragón en España.

En estas operaciones, los trabajadores no compiten como contratistas independientes, sino que colaboran como propietarios mutuos. Aquí, la creatividad pasa a primer plano cuando las cooperativas experimentan con enfoques novedosos para producir productos, dividir las tareas y distribuir las ganancias. Esta forma de creatividad deja de lado las relaciones salariales tradicionales y abre la posibilidad de formas genuinamente innovadoras de organizar el trabajo.

La verdadera creatividad valora formas de ser radicalmente diferentes.

Digamos que estás de fiesta y te encuentras con un lugar nuevo. Enseguida notas que este club es diferente. Sí, la gente está bailando en la pista de baile, pero la música es extremadamente pesada y sacude toda la sala. Las luces también son diferentes. Son deslumbrantes, más dinámicas de lo habitual. Además, todos mueven las manos.

¡Felicidades! Has encontrado un club de baile para sordos. Si eres una persona oyente, este espacio puede ser desorientador. Eso es porque no es realmente para ti. Fue diseñado por y para personas que experimentan el mundo de una manera muy diferente.

Pero eso no significa que no puedas divertirte. Relájate, abraza la novedad y puedes encontrar una forma completamente nueva de disfrutar de una noche de fiesta.

Piensa en los que la sociedad contemporánea considera genios creativos: personas como Steve Jobs, Mark Zuckerburg y Elon Musk. ¿Notaste algo? Los individuos que valoramos por pensar de manera diferente y romper el molde a menudo se ajustan a la concepción de lo normal de la sociedad. Es decir, generalmente son hombres blancos y sanos de países occidentales ricos.

Hay muchas razones para este sesgo. Por un lado, esas personas a menudo nacen en posiciones más ventajosas que las de grupos marginados. Tienen acceso a mayores recursos y tienen redes sociales más poderosas. Cuando sus ideas y acciones se desvían de la norma, a menudo se las considera creativas y se las recompensa.

Pero, ¿qué pasa con las personas que se salen de la norma desde el principio? Considera a las personas con habilidades sensoriales alteradas, como las que son ciegas o sordas. Estos individuos experimentan y actúan en el mundo de una manera claramente diferente a la norma dominante. En determinadas circunstancias, esto se consideraría creativo.

Sin embargo, en lugar de apreciar y acomodar esas diferencias, no las valoramos en sus propios términos. En cambio, nuestra sociedad a menudo clasifica las diferencias humanas como trastornos que deben corregirse. Por ejemplo, se anima a las personas sordas a que se pongan implantes cocleares para que puedan realizar trabajos "normales".

Imagina una alternativa en la que las discapacidades se consideren "difabilidades". En esta concepción, algo como la ceguera no es un obstáculo para una vida normal, sino una experiencia válida que permite una perspectiva del mundo completamente diferente.

Un replanteamiento tan radical es un acto creativo, porque expande lo que se considera una experiencia humana valiosa. Abrazar tales diferencias hace posible apreciar subjetividades alternativas, que es verdaderamente el corazón de la creatividad.

Después de la crisis financiera, la creatividad se convirtió en una palabra clave para la austeridad.

A principios de la década de 2000, la industria de servicios financieros era muy imaginativa. Los banqueros inteligentes idearon una idea innovadora: impulsar grandes volúmenes de préstamos con altos intereses a todos y cada uno de los solicitantes. Luego se volvieron realmente ingeniosos y apalancaron esos préstamos incobrables utilizando un complejo sistema de valores y derivados.

Todo fue muy "creativo".

Por supuesto, en 2008, el sistema se derrumbó. La consiguiente crisis financiera y la recesión mundial deberían haber hecho que los gobiernos se mostraran escépticos con respecto a la creatividad neoliberal como solución general para todos los problemas. Sin embargo, eso no fue lo que sucedió.

En cambio, los políticos decidieron que los bancos merecían grandes rescates y, para pagarlos, las instituciones públicas tendrían que hacer sus propias reducciones de costos creativas.

A raíz de la crisis financiera de 2008, tanto Estados Unidos como el Reino Unido entregaron enormes cantidades de capital al sector bancario. Esto se consideró necesario para estabilizar la economía en crisis, pero también generó preocupaciones sobre el gasto público excesivo. Entonces, para compensar los rescates, ambos países implementaron importantes recortes a los servicios públicos, a veces llamados medidas de austeridad.

Entonces, ¿qué tiene que ver la austeridad con la creatividad? Bueno, muchas instituciones culturales lucharon con sus nuevos y reducidos presupuestos y tuvieron que adaptarse en consecuencia. Por ejemplo, los museos, las galerías y otros centros culturales tenían que competir entre sí por el patrocinio empresarial, incluso si eran éticamente cuestionables. Los formuladores de políticas, deseosos de darle un giro positivo a la situación, elogiaron estos arreglos como soluciones creativas.

Los espacios del sector público, como las bibliotecas, se vieron sometidos a una tensión similar. A medida que los gobiernos recortaban los servicios sociales, las bibliotecas públicas se vieron obligadas a tomar el relevo ampliando la programación para incluir capacitación laboral y servicios de salud mental. Algunas incluso tuvieron que alquilar espacio para coworking comercial. Este nuevo imperativo de ser financieramente independiente y emprendedor degradó el propósito original de la biblioteca, pero nuevamente, se celebró como una solución creativa.

Las ciudades económicamente devastadas también tenían que "ser creativas". Se alentó a los gobiernos municipales a proporcionar nuevas exenciones fiscales y exenciones regulatorias para atraer a las grandes empresas. El ejemplo más atroz de esto llegó en 2017, cuando Amazon hizo que las ciudades compitieran para albergar su futura nueva sede. Incluso la ciudad más pobre se sintió obligada a armar un discurso creativo por la mínima posibilidad de obtener un potencial impulso económico.

Para las grandes tecnológicas, la creatividad significa monetizar tu vida.

Todos los días, miles de millones de personas de todo el mundo se conectan a Internet. Y, a medida que cada persona hace clic, escribe, transmite y le gusta, generan billones de interacciones. Las grandes empresas de tecnología como Google y Facebook recopilan y catalogan todos esos datos, creando el mayor almacén de información en la historia de la humanidad. 

Luego, lo usan para vender anuncios.

En las últimas décadas, nuestros asombrosos avances en tecnología han creado un mundo cada vez más interconectado, mediado digitalmente y complejo. La adopción generalizada de Internet y otras formas de tecnología de la información podría abrir nuevas e increíbles oportunidades para la humanidad.

Desafortunadamente, el imperativo capitalista significa que nuestras mejores mentes usualmente solo usan estas innovaciones para generar ganancias.

Actualmente, Silicon Valley es el eje central del mundo de la tecnología. El énfasis temprano en la creatividad fue una de las razones por las que alcanzó esta posición dominante. La cultura de las empresas emergentes y los hackers que se desarrolló allí en los años 70, 80 y 90 valoraba la experimentación, la colaboración y asumir grandes riesgos en nuevas ideas. No es una coincidencia que el lema inicial de Facebook fuera "Muévete rápido y rompe cosas".

Sin embargo, a medida que pasaba el tiempo, la caótica escena de las startups se congeló en un puñado de empresas de tecnología ultrapoderosas. Ahora, estas organizaciones capacitan a sus inmensas reservas de talento y recursos para cosechar más y más recompensas financieras. Las nuevas tecnologías que desarrollan, como la inteligencia artificial y el aprendizaje automático, se refinan casi exclusivamente como herramientas de búsqueda de beneficios.

Considera cuántos programadores jóvenes brillantes emplean empresas como Facebook y Google. Estos trabajadores podrían aplicar su creatividad a la construcción de sistemas o productos que podrían mejorar la sociedad en su conjunto. Sin embargo, toda esa capacidad intelectual se usa en cambio para ajustar y refinar los algoritmos que rastrean tu comportamiento y muestran anuncios y contenido perfectamente adaptados para captar tu atención y tu dinero.

La economía colaborativa es otro ejemplo del desperdicio del potencial emancipatorio de la tecnología. Nuestro mundo moderno y en red podría orientarse hacia la colaboración y el intercambio igualitarios. Pero empresas como Airbnb y Uber, en cambio, encuentran formas cada vez más creativas de monetizar las relaciones humanas.

Ahora, los actos que alguna vez fueron amigables de compartir espacio, paseos o tiempo libre se posicionan como transacciones financieras para que las empresas de tecnología puedan sacar dinero de la cima. Solo piensa: ¿Por qué prestarías tus artículos no deseados a un amigo cuando podrías venderlos en eBay? ¿Por qué simplemente disfrutar de un pasatiempo de artesanía cuando podrías abrir una tienda Etsy?

Podríamos utilizar la tecnología digital de forma creativa para cambiar el funcionamiento del mundo. Desafortunadamente, últimamente, ese espíritu creativo se ha utilizado en gran medida para reforzar el enfoque del capitalismo orientado al mercado.

El movimiento de la ciudad creativa en realidad crea comunidades que son todas iguales.

En 2009, el tranquilo y acogedor barrio de Wynwood, Miami, se renovó. Llegaron decenas de artistas callejeros de todo el mundo con latas de spray en la mano. En cuestión de semanas, los almacenes de la zona se cubrieron con nuevos y coloridos murales. Bastante mágico, ¿verdad?

Bueno, depende de a quién le preguntes. Este esfuerzo artístico no fue el resultado de una creatividad espontánea, fue orquestado por Goldman Properties, un grupo de inversión inmobiliaria. El objetivo del proyecto no era enriquecer culturalmente a los residentes actuales de Wynwood, sino aumentar el valor del vecindario para los posibles inversores.

El ataque artístico de Wynwood tampoco es un incidente aislado. Intervenciones como esta son una ocurrencia común en todo el mundo a medida que más ciudades intentan usar las trampas de la creatividad para animar sus economías.

El concepto de “ciudad creativa” se convirtió en una política urbana popular a finales de los noventa. La idea original era sencilla. Las ciudades en dificultades podrían invertir en programación artística y cultural para revitalizar sus economías y atraer nuevos residentes. La ciudad de Bilbao, en el norte de España, utilizó esta estrategia con gran éxito. Construyó el museo Guggenheim de varios millones de dólares en sus astilleros en declive e instantáneamente se convirtió en un destino internacional.

Desde entonces, muchas otras áreas urbanas han intentado una estrategia similar. Un municipio elegirá un barrio económicamente marginal y le dará un cambio de marca sólido. Esto a menudo incluye hacer espacio para grandes centros culturales patrocinados por empresas e instituir esquemas creativos de "creación de lugares", como agregar arte público, paisajes urbanos coloridos y amenidades divertidas como mesas de ping-pong.

Hay dos problemas principales con este enfoque. Por un lado, muchos de estos cambios "creativos" son formulados. En lugar de comprometerse con las cualidades únicas que ya hacen que un vecindario se destaque, estas ciudades están imponiendo intervenciones estéticas innovadoras que podrían implementarse en casi cualquier lugar. El resultado es un aspecto genérico que hace que todas las ciudades creativas se sientan igual.

El segundo problema es aún más pernicioso. A pesar de todo lo que se habla de revitalizar los vecindarios, muchos proyectos urbanos creativos muestran poca preocupación por la gente que ya está en estas áreas. Las nuevas ofertas culturales pueden atraer a residentes nuevos y más ricos, pero a menudo pasan por alto necesidades más prácticas. Después de todo, una galería de arte nueva y moderna puede ser genial, pero los residentes en realidad quieren mejores servicios sociales o guarderías asequibles.

Quizás una política urbana creativa real dejaría de lado los deseos de los especuladores inmobiliarios y sería más sensible a los detalles de un lugar. Consideraría los vecindarios como comunidades que deben nutrirse en lugar de productos básicos para comprar y vender. 

Resumen final

El mensaje clave en este resumen:

La concepción actual de la creatividad se trata de concebir nuevas formas de triunfar dentro del sistema capitalista. Esta forma de creatividad se trata de inventar nuevos productos, monetizar sus relaciones sociales y convertir comunidades existentes en efectivo. Es altamente individualista, competitivo y, en última instancia, refuerza la estructura estratificada de la sociedad. Sin embargo, la creatividad también puede significar construir alternativas a este sistema que nos permitan explorar los matices de la experiencia humana sin el lucro como motivo. Si fomentamos esta forma de creatividad, cambiaríamos el mundo para mejor.

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Sobre el autor

Oli Mold es profesor de Geografía Humana en la Universidad de Londres. Su trabajo anterior, Urban Subversion and the Creative City, examinó la promesa y las limitaciones de los movimientos de activistas sociales contemporáneos.


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